taller de ediciones económicas

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Derechos de lo profundo es una carta abierta sobre nuestra relación con las profundidades oceánicas y la necesidad de protegerlas. Está redactada de manera conjunta por activistas indígenas del Pacífico, juristas y científicos marinos con el propósito de contribuir al creciente movimiento por los derechos de la naturaleza.

El derecho de lo profundo hace alusión a un movimiento legal ecocéntrico emergente que defiende al océano como una comunidad viviente con derechos inherentes. Las profundidades del mar tienen derecho a existir y no ser consideradas como recursos para la explotación industrial. El movimiento se cuestiona cómo todas aquellas personas que vivimos en entornos urbanos podemos comprometernos con las remotas profundidades de los mares.

Las tecnologías de las «energías renovables» requieren de minerales como manganeso, nickel y cobre para las baterías de los autos eléctricos, aerogeneradores y paneles solares. Estos minerales se han encontrado en el suelo marino, lo cual representa graves amenazas para la vida marina y las comunidades costeras en primer lugar, pero también para las cascadas tróficas en su conjunto. La minería marina puede comprometer la capacidad de los océanos para absorber calor y carbono, y acelerar aún más el cambio climático.

La carta está redactada conjuntamente por Emma Critchley, Mekhala Dave y Pradeep Arjan Singh, junto con un grupo de personas expertas del Pacífico entre quienes se encuentran Solomon Pili Kahoʻohalahala, Edwin «Ekolu» Lindsey, Alanna Matamaru Smith, Frank Murphy, Quack Pirihi y Hinano Teavai-Murphy. Tiene la asesoría de la Dra. Emily Barritt, Kristina Gjerde (JD), Dra. Maila Guilhon, profesora Kerry Howell, profesora Rachel Mills y la investigadora jurídica de posgrado Saifeddine Benamar.

Coeditado con Cajón de Sastre.

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La Nación Blackfeet (Amskapii Piikani) habitó las Grandes Llanuras al norte de lo que hoy conocemos como América durante miles de años. A finales del siglo XVIII los colonos euroamericanos iniciaron un proceso progresivo de despojo que culminó con la instauración del sistema de reservas en el siglo XIX. De vivir en una extensión de 129 500 km2 fueron confinados a apenas 7 800 km2.

Los colonos dejaron fuera de la reserva lugares sagrados como Badger-Two Medicine, zona que ha sido explotada por compañías mineras contra la voluntad Blackfeet. En la década de 1980, el gobierno de EE. UU. otorgó ilegalmente más de 45 concesiones en sitios sagrados a empresas privadas petroleras y de gas. A pesar de ello, los Blackfeet continúan luchando por resguardar su territorio, lengua y cultura, donde no existe una noción de propiedad privada.

LaPier nos habla del territorio Blackfeet como un texto y un archivo que, al recorrerlo, los mayores anclan la historia al paisaje.

Rosalyn LaPier es una escritora, historiadora ambiental y etnobotánica inscrita en la Nación Blackfeet de Montana y la comunidad Métis. Es autora de Invisible Reality: Storytellers, Storytakers and the Supernatural World of the Blackfeet; profesora de historia en la Universidad de Illinois; Urbana-Champaign y asociada de investigación en el National Museum of Natural History, Smithsonian Institution.

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Cambiar las preguntas es la continuación de un ejercicio autocrítico que inició alrededor de 2015 con la publicación de Imprentas desobedientes en esta misma colección. Parte de pensar en el ritmo, la escala y los contextos de las prácticas editoriales que se han desarrollado durante los últimos años en el ámbito de la autopublicación y los libros hechos por artistas en América Latina.

Su propósito no es otro que extender cuestionamientos que han surgido en diálogo con editorxs, artistas, agitadorxs y cómplices alrededor de nociones que tendemos a arrastrar hasta vaciarlas de sentido. Seguimos confiando en el ejercicio de publicar como algo relevante, pero que necesita cuestionarse permanentemente a la luz del horizonte de colapso desde el cual lo hacemos.

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Afectividad ambiental constituye un aporte significativo al campo del pensamiento ambiental y la ecología política. El texto aborda la dimensión afectiva, sensible, sintiente y estética propia de la crisis ambiental contemporánea, así como las relaciones que requerimos tejer para reorganizar los afectos en sintonía con los ciclos vitales del planeta.

La afectividad ambiental propuesta por Giraldo y Toro es una invitación a cultivar la sensibilidad en forma común, a enseñarnos a ser tocados por la emoción de otros cuerpos, a recobrar la confianza en nuestros sentidos a través del contacto con los diversos modos de vida, a llenar el lenguaje de tierra, y a despertar nuestra percepción sensible anestesiada por los reduccionismos ontológicos, las ecologías de la crueldad y el régimen afectivo del mercado.

Este ensayo es un manifiesto sobre el lugar político de la producción del sentir, una consigna ética acerca de la urgencia de recuperar los saberes ambientales de los pueblos, y un faro epistémico que nos estimula a comprender de otro modo nuestro estar en el cosmos en medio de esta guerra civilizatoria contra la vida.

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Colonización, quilombos, modos y significados ofrece una crítica al paradigma noroccidental del desarrollo desde la óptica de las comunidades afrodescendientes que se rebelaron contra la violencia del régimen esclavista en Brasil.

Históricamente, los quilombos han sido un símbolo mayor de la lucha de los pueblos contra la esclavitud y el racismo; hoy representan la defensa afirmativa y vital de comunidades autónomas imbricadas en las tramas de la vida. En estas páginas, Nego Bispo elabora un denso argumento sobre la historia de las resistencias, rebeliones, insurgencias y experiencias concretas de construcción de comunidades libres y autónomas –como Palmares, Canudos, Caldeirões y Pau de Colher–, a la vez que proyecta sus ideales al presente.

El libro señala al modelo economicista, ecocida e inhumano al que Brasil, como el conjunto de los países de América Latina, se ha rendido por completo. En contraposición a este proyecto autodestructivo, alude al cultivo de la biointeracción como una ruta civilizatoria común a los quilombos, los terreiros de las religiones de origen africano y la capoeira.

Esta síntesis de pensamiento contracolonial, crítico y libertario cuestiona la cosmofobia subyacente en las perspectivas eurocéntricas monoteístas, que imponen una mirada jerárquica, singular y depredadora sobre el mundo.

Antônio Bispo dos Santos (1959-2023) fue un maestro y líder quilombola originario del valle del río Berlengas en Piauí, Brasil. Su trabajo alrededor del concepto de contracolonización está basado en la experiencia de lucha de comunidades como el quilombo Saco-Curtume, donde creció, luchó y gozó.

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El Salto y Juanacatlán son dos pueblos separados por el cauce tóxico del río Santiago en el corredor industrial de la zona conurbada de Guadalajara, Jalisco. Históricamente, el Estado ha apostado por atraer inversión extranjera a la zona. Desde finales del siglo XIX se instalaron empresas textiles y una hidroeléctrica que aprovecharon el gran suministro de agua de este afluente que nace a pocos kilómetros en el lago de Chapala.

Actualmente más de 700 empresas vierten sus residuos en el cauce del río. Para las transnacionales, la mano de obra barata y la nula regulación medioambiental sobre depósito de residuos, resultan ideales. Las enfermedades renales, respiratorias y el cáncer son comunes, así como las altas concentraciones de cadmio, mercurio, plomo, arsénico o benceno en la sangre de quienes habitan la zona.

Enrique Encizo Rivera y Graciela González Torres forman parte de Un Salto de Vida A.C., una organización de habitantes de la región que han dado a la tarea de estudiar las aguas para conocer e identificar los contaminantes a los que están expuestas las personas, mapear su origen y realizar esfuerzos legales para exigir el reconocimiento de sus derechos, la reparación y el castigo a quienes contaminan impunemente los cuerpos de agua y el suelo.

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Bajo una perspectiva antropocéntrica eurocentrada, la ética está confinada a los límites de lo humano. La deslocalización implícita en los modos de vida urbanos modernos impide familiarizarnos con la “naturaleza”, que asumimos como un segundo plano homogéneo con lo que carecemos de continuidad. Esta mirada se encuentra tamizada por una criba conceptual colonial que impide y niega el encuentro dialógico con la trama de la vida.

En este ensayo, donde resuenan planteamientos de Simone de Beauvoir, Deborah Bird Rose, Vine Deloria, Marcia Langton o Edward W. Said, Plumwood nos comparte un análisis de las estructuras que definen la exclusión radical de las relaciones con el mundo más-que-humano. Al enfocarse en las trampas que tienden los dualismos centristas, que nos impiden vernos como opresores, propone el nombrar como una primer paso para subvertir la instrumentalidad de los imaginarios coloniales noroccidentales y concentrarnos en las relaciones entre territorio y lenguaje.

Val Plumwood (1939-2008) fue una filósofa y ecofeminista australiana conocida por su crítica al antropocentrismo. Desde la década de 1970 es una figura clave en el desarrollo de la ecosofía radical.

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En este texto publicado de manera póstuma, Val Plumwood reflexiona acerca de dos encuentros personales con la muerte: ser presa de un cocodrilo y enterrar a su hijo en un cementerio rural en medio de una abundante comunidad vegetal.

La autora cuestiona el excepcionalismo que separa lo humano de la naturaleza, el cual se refleja en la elección entre dos concepciones de la muerte: una de continuidad en el ámbito espiritual, y la otra, un reduccionismo materialista en el que la muerte marca el final de la historia del ser. Ambas perspectivas dislocan la base de la existencia animal: que todes somos alimento y a través de la muerte alimentamos a otres.

El enfoque de Plumwood defiende un materialismo animista en el cual la vida se concibe como un proceso de circulación en el que las prácticas funerarias pueden afirmar que la muerte es una oportunidad de vida para otres en la comunidad ecológica.

Val Plumwood (1939-2008) fue una filósofa y ecofeminista australiana conocida por su crítica al antropocentrismo. Desde la década de 1970 es una figura clave en el desarrollo de la ecosofía radical.

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Leanne Betasamosake Simpson, escritora, música y académica del pueblo Mississauga Nishnaabeg, plantea que la tierra tiene que volver a ser la pedagogía. Alerta que el camino a la descolonización de la educación no se encuentra en la disyuntiva entre cumplir con los requisitos del complejo académico industrial o “indigenizar la academia” al llevarle conocimientos en sus propios términos. En cambio, apunta a un aprendizaje arraigado al territorio y a la comunidad que rinda cuentas a las naciones indígenas y cuyas labores vitales giren en torno a la regeneración de sus sistemas.

En la epistemología michi saagiig nishnaabeg, la tierra es tanto el contexto como el proceso y el aprendizaje, relacional. Se trata de una transformación permanente en donde se aprende tanto de la tierra como con la tierra en un entorno de amor, libre de la coerción autoritaria normalizada en la pedagogía occidental.

Acuerpar la educación desde el consentimiento, la observación y el aprendizaje de todos los seres vivos con quienes cohabitamos requiere de una participación compleja, comprometida y consensuada que no normalice la dominación de las herramientas de quienes tienen y detentan el poder. Este es un aprendizaje que no puede ocurrir dentro de las aulas o los textos teóricos, pues la teoría no es estática, se genera y regenera desde abajo en resonancia con el entramado territorial.

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Como dan cuenta una gran diversidad de ejemplos alrededor del continente, la relación con lo no humano no siempre está marcada por la mirada instrumental que considera a la naturaleza como un recurso. Más allá del árido horizonte monocultural de la agroindustria hay otras formas de producción de la naturaleza que no se basan en la lógica extractiva de la ecología-mundo capitalista. De esto dan cuenta, por ejemplo, el manejo de los jardines forestales mayas o los sistemas agroforestales tradicionales de la Sierra Norte de Puebla en México. Así mismo ocurre con el manejo a gran escala en la Amazonía, reconocida como un bosque de origen antrópico coproducido por los diversos pueblos que habitan su territorio desde hace siglos.

En este ensayo, Paulo Tavares parte de los indicios materiales develados en la selva por la violenta expansión de la frontera agrícola durante la dictadura militar en Brasil en los años setenta. Estas huellas nos permiten repensar la historia de los conjuntos humanos y su relación con el entorno.

La ruta trazada por Tavares lee el manejo de los bosques como un proceso de diseño y nos extiende preguntas por demás urgentes en el presente. ¿Qué es una ciudad? ¿Qué es un bosque? ¿Podemos codiseñarlos con otres no humanes poniendo al centro la reproducción de la vida toda?

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Los dibujos que componen esta publicación, en su mayoría, fueron realizados por Sergio El Güero Reynoso, Ink Fever y Sammy Ramírez. Kraeppellin le encargaba los originales a estos artistas del tatuaje, con los cuales hacía negativos para imprimir camisetas en serigrafía. Las referencias de estos artistas eran revistas de la cultura chicana como Aztlán, Viva la Raza o Lowrider, que no circulaban en México. Éste es el segundo recopilatorio de dibujos de CIAK publicado en taller de ediciones económicas. La serie aquí reunida incluye dibujos elaborados durante finales de la década de 1980.

Juan José Ávila Aceves «Kraeppellin» (Guadalajara 1948-2009) ocupa un lugar central en la historia del arte contemporáneo de Guadalajara, como un artista de culto y una figura emblemática de la contracultura.

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Este proyecto se origina en la escucha, en la atención que hemos puesto desde nuestras experiencias y afectos a quienes han abierto las puertas de sus casas, sus cocinas y cultivos para ofrecernos palabras en diferentes lugares alrededor de la laguna de Chapala: en el Salto y Juanacatlán, en Mezcala, en Ajijic y en San Luis Soyatlán. Al compartir el tiempo, la comida, el andar y la conversación, se nos ha revelado que esta laguna es más que un cuerpo de agua, y que a su alrededor se le nombra y cuida persistentemente.

Mediante un ir y venir de relatos hemos aprendido que en esta región hay un sistema viviente que abarca a los cerros, a los ríos tributarios y a las riberas; un entramado de vidas que se nutren y afectan mutuamente; un territorio herido por la extracción y el despojo; un sitio sagrado conectado con regiones distantes, con el cielo y la tierra.

La laguna de Chapala nos habla a través de estos relatos, manifestando sus muchas temporalidades y formas. Las voces que la narran están unidas por un esfuerzo común de resistencia y autodeterminación. Para ser fieles a la intensidad de la voz de las personas con quienes hemos compartido —y a través de ellas la voz de ese lago enorme que parece un mar—, hemos procurado que los textos que están en estas páginas resguarden su modo de hablar.

Esperamos que estas palabras puedan animarse cada vez que son leídas, ojalá en voz alta, desde esa intimidad que da el primer encuentro con una historia.

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Este es un antimanual para trabajadores culturales que comparte estrategias de resistencia, técnicas de camuflaje y métodos de contrapeso frente a la precarización y las inercias de la acumulación neoliberal que instrumentalizan nuestro quehacer en contextos como los de Centroamérica y el Caribe.

Reúne diálogos sostenidos entre TEOR/éTica (Costa Rica), Beta-Local (Puerto Rico), el taller de ediciones económicas (México) y algunas organizaciones afines entre 2019 y 2023. Tiene el propósito de pensar junto con otres qué derechos laborales reclamamos, qué tipo de trabajadores queremos ser y cuáles son las acciones que podrían construir ese camino.

Coeditado con Beta-Local y TEOR/éTica

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La larga serie realizada con bolígrafo y lápiz por Javier Gonzáles Robles representa porciones de calle, fachadas de casas, la vegetación colindante y diversos elementos arquitectónicos. Estas vistas urbanas con línea de contorno, frontales y volumétricas han sido dibujadas por Gonzáles Robles durante las largas horas que pasa en la banca de un parque público a partir de lo que tiene delante.

Ahí coincide con cierta regularidad con el artista Cristian Franco, con quien habla de la imagen y de la forma del mundo que les rodea. Franco ha ido comprando los dibujos del señor Gonzáles desde hace algún tiempo, fungiendo como su coleccionista y mecenas.

Así mismo ha resguardado muchas obras que, si no son de su autoría directa, tienen que ver con la producción de sus propios proyectos bajo un modo de operar colaborativo. Por ejemplo, la producción de materiales visuales para festivales y conciertos −como los carteles o los boletos de entrada− hechos a mano o intervenidos, así como dibujos que resultan de sesiones de dibujo en vivo.

Estos dibujos de formato media carta de Gonzáles Robles se encuentran entre la vasta colección de Franco recopilada a lo largo de los años de amigos de la preparatoria, dibujos propios en proceso, etcétera.

Esta publicación surge de una visita al archivo de Cristian Franco, realizada en Guadalajara en 2021 y de una colaboración entre Taller de Ediciones Económicas y de Materia de Dibujo/ Drawing Issues.

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En 1971, el curador y crítico de arte Frederico Morais organizó los Domingos da Criação, una serie de happenings participativos en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, en medio de los cambios radicales experimentados en el arte y la cultura en plena dictadura militar en Brasil.

Arte, educación, celebración, protesta... todo esto y nada de esto. Al abrazar los procesos colectivos, las prácticas híbridas y las relaciones dinámicas entre los artistas y los diferentes públicos, estos ejercicios experimentales dirigidos a la libertad poética y política contaron con la asistencia de miles de participantes y fueron ampliamente difundidos en la prensa.

El proyecto fue poco estudiado en el contexto brasileño y prácticamente desconocido a nivel internacional. La publicación de estos textos contribuye al proceso de revisión de la historia del arte occidental contemporáneo al reformular las jerarquías centro/periferia de la neovanguardia hacia modernismos más plurales y formas colectivas e híbridas de agencia creativa.

Morais es un crítico, historiador del arte y curador brasileño. Organizó eventos de arte público, el proyecto de sitio específico Do Corpo à Terra (1970), introdujo nuevas formas de crítica y es autor de obras audiovisuales. Como coordinador educativo en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro promovió el museo como un laboratorio vital. Destacan su trabajo sobre Arthur Bispo do Rosario, así como el proyecto curatorial para la I Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 1997).

El grupo de domingos está coordinado por Jessica Gogan y Mônica Hoff. Lo conforman Ignacia Biskupovic, Renata Cervetto, Lola Malavasi, Nicolás Pradilla y Mariela Richmond.

Coeditado con el Instituto Mesa.

Proyecto realizado gracias al apoyo de Fundación Jumex Arte Contemporáneo.

Con la colaboración de TEOR/éTica y el Museo de la Solidaridad Salvador Allende.

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En “Ojos y oídos”, Yates McKee alude al activismo cartográfico y visual, el adbusting o la tactical media como estrategias nutridas por el arte contemporáneo, la teoría y la agitación para confrontar la forma en que el poder canaliza técnicamente su ejercicio de manera premeditada o por omisión.

McKee se centra en las técnicas de los agentes gubernamentales del norte global, un horizonte que, a la luz del desborde de violencia en nuestras regiones, exige ampliar las preguntas para apelar a entramados más complejos en los cuales la estética ha jugado un rol central de la tensión dolorosamente espectacular de la violencia estatal, militar, civil o del crimen organizado. “Ojos y oídos” puede ser un punto de partida para abrir una discusión que es necesario localizar en nuestros contextos.

Yates McKee es un historiador del arte y activista que ha colaborado con grupos post-Occupy como Strike Debt, Global Ultra Luxury Faction, NYC2Palestine, Flood Wall Street y Rising Tide. Ha publicado en October, Grey Room, Texte Zur Kunst, The Nation y Artforum. Fue coeditor de Tidal: Occupy Theory, Occupy Strategy, coeditor del libro Sensible Politics: The Visual Cultures of Nongovernmental Activism (2012), y autor de Strike Art. Contemporary Art and the Post-Occupy Condition (2017).

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Fuera de trabajo fue publicado por la editorial queAse en Río Piedras, Puerto Rico en 1977. Esa única edición, impresa en un mimeógrafo expropiado a la Universidad de Puerto Rico, reúne poesía concreta realizada por Esteban Valdés entre 1966 y 1977. Esta edición facsimilar se acompaña de otro libro que incluye una conversación con Valdés, así como textos de Marina Reyes Franco, Sofía Gallisá Muriente y Nicolás Pradilla que esbozan el contexto político y artístico en el que se publicó el libro como un correlato de la lucha independentista puertorriqueña.

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En los últimos años, el lugar del documento y los archivos ha cobrado una fuerte dimensión pública y han suscitado importantes debates ético-políticos frente a aquellas posturas que los dimensionan únicamente en tanto mercancía o activo económico.

De este modo, la segunda emisión del Encuentro Internacional Archivos fuera de lugar. Desbordes discursivos, expositivos y autorales del documento, realizado en el Museo Universitario Arte Contemporáneo en colaboración con Ex Teresa Arte Actual, convoca a la reflexión de diversos agentes vinculados con la práctica del archivo —desde el arte contemporáneo y otras prácticas que lo atraviesan— para exponer casos y posicionamientos concretos.

Esta publicación recoge las reflexiones de artistas, historiadores, curadores, museógrafos, filósofos y abogados provenientes de Argentina, Chile, España, Estados Unidos y México en torno a los siguientes ejes: Documentar el presente. Desbordes del arte contemporáneo trata sobre los usos del archivo y la historiografía contracultural; Desplegar / emplazar / espacializar problematiza las decisiones museográficas vinculadas a la exhibición de archivo(s) y finalmente, (i)legalidades del documento intenta ampliar las conversaciones sobre los vacíos legales y las problemáticas en torno a los derechos de autor que se han abierto en las prácticas artísticas contemporáneas relacionadas al archivo.

Incluye textos de Ricardo Nava, Diana Taylor, Interference Archive, Daniela Lucena, Javiera Manzi, Aimar Arriola, Marvin Taylor, Deborah Cullen, Alejandro García Aguinaco, Voluspa Jarpa, Paz Sastre, Ramón Aguilera, Angelina Cué y Antonio Juárez.

Coordinado por Sofía Carrillo Herrerías y Sol Henaro.

Publicado con el apoyo de Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ex Teresa Arte Actual y Patronato de Arte Contemporáneo.

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Tomás Cruz Lorenzo (1950-1989) fue un activista chatino que perteneció a esa generación de pensadores de la organización comunal surgidos de los pueblos originarios, entre los que se encuentran Floriberto Díaz y Jaime Martínez Luna. Sus reflexiones, de tintes anarquistas, son un claro llamado a la defensa de la lengua, la cultura, la autonomía y el territorio chatinos, que se extienden desde la costa hasta las tierras altas de la sierra en el suroeste de Oaxaca.

Tomás fue asesinado en 1989. Este libro recoge sus escritos y establece un diálogo con la nueva generación chatina que retoma y desborda su pensamiento, en un homenaje que actualiza la lucha y la resistencia en ámbitos como el feminismo, la educación nutricional y la salud vinculada a prácticas tradicionales, la migración y la defensa del territorio frente al extractivismo.

Coeditado con hormiguero

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Manual del editor con huaraches es el título de la guía para los seminarios de autopublicación que Felipe Ehrenberg, Marcos Límenes, Ernesto Molina y Santiago Rebolledo coordinaron en escuelas normales rurales en México a inicios de la década de 1980, durante la resaca de la guerra sucia. Los seminarios se enmarcan en el desplazamiento de diversos artistas hacia prácticas colectivas en tensión con la persecución política en el país y se llevan a cabo en el ámbito de la educación rural, que el estado ha tratado de sofocar desde los años sesenta.

Este libro trata de situar y de compartir las herramientas del manual, que apuntan a un modelo de organización colectiva que tiene a la imaginación política en su centro y cuya potencia persiste ahora que la explotación laboral ha subsumido la vida cotidiana fragmentándola en un horizonte de experiencia empobrecido frente al cual necesitamos imaginar otras rutas y otras formas de construirlas.

Publicado con el apoyo del Patronato Arte Contemporáneo

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¿Quién nos necesita?, segundo seminario de la plataforma de residencias e investigación colectiva Días de campo, tuvo lugar en Caborca, Sonora, durante septiembre de 2017. Allí se reunieron trece personas, entre organizadores, teóricos y artistas para pensar alrededor del tema de la desaparición desde diferentes puntos de vista: estético, filosófico y moral. En la convocatoria del proyecto se plantearon aspectos como si el Estado puede prescindir del sujeto —y lo deja de manifiesto en cada caso de desaparición forzada—, entonces, ¿por qué un sujeto no podría prescindir del Estado?

Este libro es el documento de la residencia durante la cual el grupo pensó en la relación que como individuos tenían con el paisaje y la escala, los intermediarios del espacio geológico y económico del desierto.

¿Cuál es la escala de la desaparición? De hombres e instituciones del Estado, de los recursos regionales. Desaparición-cuerpo-escisión del nombre; desaparecido-deudo-cuerpo encontrado (sea o no el del desaparecido); o víctima-victimario-cuerpos anónimos. Las permutaciones son fértiles y quedan en el aire.

"Un día, una persona encontró huesos en el campo. Se le ocurrió utilizarlos para fabricarse unos cubiertos. “Al fin y al cabo, ¿quién los necesita?”, se dijo. Una noche, los huesos le hablaron. “Devuélvanos a donde nos halló”, le urgían. Lo hizo. Aunque algo era irreversible: los huesos vuelven a estar enterrados en el campo, pero transformados en un juego de cubiertos."

Editado en colaboración con Días de campo

Publicado con el apoyo del Fondo Proyecta y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

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Archivos fuera de lugar. Circuitos expositivos, digitales y comerciales del documento fue un encuentro internacional organizado en 2015 por Ex Teresa Arte Actual en colaboración con Proyecto Juan Acha. Dicho encuentro se propuso examinar el giro archivístico y documental en el arte latinoamericano y permitió a un amplio conjunto de profesionales de la cultura dialogar sobre distintas problemáticas presentes tanto en contextos institucionales como en la práctica diaria de la teoría y la investigación.

Las preguntas que guiaron la reflexión giraron en torno a los factores que están poniendo en valor el documento artístico en el campo del arte contemporáneo, el papel de la institución como custodio de estos activos, los cambios en la forma de desplegar estos materiales en sala u otros dispositivos de exhibición y las transformaciones en el mercado del arte a partir de la revaloración del documento artístico y las consecuencias que esto tiene en la investigación.

Los textos reunidos en esta publicación son transcripciones editadas de las conferencias de este primer encuentro. Mediante su lectura se reconocen los esfuerzos de instituciones, investigadores y artistas por construir valor a través de los archivos sobre un término parcial como “arte latinoamericano”, que pretende englobar la práctica artística de un hemisferio, un trabajo de pesquisa, como dice Cristina Freire, y de dedicación por contener y a la vez liberar aquello que Mónica Mayer denomina archivo silvestre cuando se refiere a los archivos de artista.

Así mismo, este documento da cuenta de los pendientes que tiene la historia del arte en relación con los problemas de la compartimentación regional y con lo que implica, en la construcción de narrativas, la valoración del archivo respecto a aquellas prácticas cuya materialidad se ha perdido.

Participación de Cristina Freire, María C. Gaztambide, Diego Flores Magón, Mónica Mayer, Francisco Reyes Palma, Sol Henaro, Gustavo Buntinx, Pilar García, Julio García Murillo, Giacomo Castagnola, Martha Wilson, Carla Stellweg, Ana Garduño, Ricardo Ocampo y Henrique Faria.

Publicado con el apoyo de Ex Teresa Arte Actual

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¿Cuál es la posibilidad nuestra, actual, de conocer las brechas efímeras por las que el Estado se introdujo en territorios de libre circulación de mercancías, incluso en tiempos anteriores a la regulación omnipresente del mercado?

Esta pregunta plantea una duda que nace de una certidumbre: las brechas que cruzan espacios específicos en el norte de Sonora, el espacio entre Altar, Caborca, Sásabe y Sonoyta, han desaparecido por erosión o maleza intencionales. De los cientos de caminos de terracería que funcionaron como flujos no regulados —fisuras que el Estado encontró y que fueron descritas solamente por cronistas locales, sobreviven tres: la brecha Caborca-Los Molinos, la brecha Altar-Sásabe y la brecha Sonoyta-ejido La Nariz.

Editado en colaboración con PAOS Guadalajara

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Cholos es la primera reunión de dibujos realizados por Kraeppellin y otros artistas para la elaboración de camisetas hacia finales de los años ochenta, los cuales están albergados por el Centro de Investigación y Archivo Kraeppellin en Guadalajara, Jalisco.

Juan José Ávila Aceves Kraepellin (1948-2009) tomó y modificó como seudónimo el apellido de Emil Kraepelin, un psiquiatra alemán de mediados del siglo XIX que participó en la fundación de la psiquiatría científica moderna, la psico-farmacología y la genética psiquiátrica. En su juventud se acercó a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara como autodidacta y lector empedernido.

Editado en colaboración con CIAK

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Mediante una rigurosa revisión histórica y crítica, Claire Bishop traza la compleja historia del llamado arte participativo, es decir, de las artes circunscritas al campo social, cuya materia prima son otras personas. A diferencia de estudios anteriores, Infiernos artificiales explora el amplio rango de experimentos teatrales de vanguardia como antecedente directo de estas formas de práctica artística, y cuestiona por qué han encontrado cobijo en las artes visuales.

Ésta y otras preguntas resuenan a lo largo del libro, donde se ponen en escrutinio las ambiciones estéticas y políticas de tales prácticas, así como los criterios éticos desencadenados en su análisis. Desde el futurismo italiano y los espectáculos de masas en la Rusia revolucionaria hasta manifestaciones contemporáneas de performance —pasando por el dadaísmo, el 68 francés, el conceptualismo argentino, acciones discretas y casi imperceptibles en Europa del Este y las artes comunitarias del Reino Unido—, Bishop aborda con fuerte anclaje teórico las demandas y promesas de democracia y emancipación vinculadas a estas formas del arte.

Al mismo tiempo, coloca en el centro de esta discusión al espectador —sea un peatón azaroso o un miembro de grupos sociales desfavorecidos— para reflexionar acerca de las distintas relaciones que se crean con o imponen sobre él.

Claire Bishop, crítica e historiadora del arte, ha sido una de las voces más activas y destacadas en la discusión sobre el arte participativo. Desde la aparición del ensayo “Antagonismo y estética relacional”, publicado en Artforum en 2004, sus escritos sobre este tipo de arte exigen un acercamiento menos formulaico, más complejo y no complaciente, a la vez que ha pugnado por establecer criterios de evaluación que no se apoyen meramente en cuestiones éticas.

Bishop es autora de Radical Museology, or, What’s Contemporary in Museums of Contemporary Art? (2013), Installation Art: A Critical History (2005), editora de 1968-1989: Political Upheaval and Artistic Change (2010), Participation (2006) y publica regularmente en Artforum, Flash Art, Parkett y October. En la actualidad, Bishop es académica del Departamento de Historia del Arte del Centro de Posgrado de la Universidad de la Ciudad de Nueva York (CUNY).

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Cola goza de Cancún combate el frío es una publicación que Ángel Ortuño armó durante las vacaciones.

Ortuño permanecería desconectado de Internet y alejado de las computadoras durante varios días, de tal modo que estaría orillado a trabajar de forma análoga. La publicación se compone del material que tuvo a la mano: hojas recicladas y pedazos recortados de folletos promocionales. La publicación incluye un manual de estilos biblográficos.

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Esta publicación consiste en el capítulo concluyente de Networked Publics, libro compilado por Varnelis alrededor del cambio de paradigma de la cultura dominante hacia el esquema de redes, un cambio que, según el autor, es sutil pero radical y que influye en la economía, la producción de esfera pública, la cultura y la subjetividad.

Kazys Varnelis (1967) es artista, historiador y teórico de la arquitectura especializado en cultura de redes. Es director del Network Architecture Lab en la Columbia University's Graduate School of Architecture, Planning and Preservation. Es miembro fundador de la práctica en arquitectura conceptual AUDC.

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Las redes digitales han modificado radicalmente la puesta en circulación de contenido y la forma en que se establecen relaciones dentro y fuera del campo editorial. Actualmente todos somos editores y publicar se ha vuelto una cuestión de resonancia.

La autoridad de la academia, el museo o los periódicos se traslada a un espacio de negociación permanente con los campos del trabajo, las finanzas y la puesta en circulación de contenido en ejercicios permanentes de traducción. La publicación contingente producen nuevos sistemas de relaciones en redes de puesta en circulación de contenido digital o impreso.

Estos tres ensayos piensan al libro como un medio político que “puede utilizarse para cuestionar, intervenir y perturbar prácticas e instituciones existentes e incluso ofrecer alternativas radicales y contrainstitucionales.

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Los duplicadores electrónicos son sistemas de impresión económicos muy adecuados en tirajes cortos. Esta tecnología heredera del mimeógrafo se ha popularizado en tiempos recientes entre artistas, diseñadores gráficos y escritores que han recurrido a fundar editoriales.

Imprentas desobedientes reúne una serie de textos que aportan elementos para contextualizar los problemas y posibilidades contenidos en el uso de este tipo de tecnologías en Latinoamérica. La compilación se realizó con el propósito de aportar elementos para la discusión durante Réplica, un primer encuentro dedicado a editoriales que utilizan el duplicador electrónico en México, que se llevó a cabo en 2015.

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Ariella Azoulay es quizá la teórica de fotografía más importante de la actualidad. Sus escritos, exposiciones, películas y otros proyectos investigan la circulación de medios visuales –así como la restricción y retracción que sufren los mismos– y revisa conceptos políticos, tales como ciudadanía y soberanía, a través de imágenes.

Los ensayos reunidos en este volumen hacen clara la posición de Azoulay: es necesario deshacernos de la distinción entre lo estético y lo político pues “ninguna imagen puede existir fuera del plano estético”. Por tanto, la fotografía debe ser entendida como un evento mediador de relaciones entre personas. Nadie es espectador, todos somos participantes de una situación fotográfica, y los sujetos retratados en una fotografía son miembros de una esfera cívica en la cual tienen el derecho a demandar ser vistos.

Ariella Azoulay es investigadora, curadora y cineasta; actualmente es profesora de Cultura y Medios Modernos, y Literatura Comparada en la Universidad de Brown, Rhode Island.

Es autora de Civil Imagination: The Political Ontology of Photography (2012), From Palestine to Israel: A Photographic Record of Destruction and State Formation, 1947–1950 (2011), The Civil Contract of Photography (2008), y coautora junto con Adi Ophir de The One State Condition: Occupation and Democracy between the Sea and the River (2012). Igualmente, es directora de los filmes Civil Alliances, Palestine, 47-48 (2012), I Also Dwell among Your Own People: Conversations with Azmi Bishara (2004), y The Food Chain (2004). Actualmente vive en Nueva York.

08

El origen de Avistamientos es casual. Los indicios aquí mostrados son tan de escurridizos como su artífice, Juan Nuñez Lepe, un joven aficionado a las noticias sobre el fenómeno ovni, y fabricante de sutiles pruebas de presencia extraterrestre alrededor de la laguna de Sayula.

Avistamientos está construido a partir de los rastros dejados en la memoria de los habitantes de los alrededores de la laguna salada, en el municipio de Zapotlán el Grande, ubicado 130 kilómetros al sur de la capital de Jalisco.

Los rastros dejados por Nuñez Lepe son difusos y en muchos casos aderezados por otros narradores. Avistamientos es una cartografía subjetiva de las intervenciones hechas por Juan Nuñez Lepe en la región entre los años 2010 y 2011, poco antes de partir a la frontera norte.

Juan Nuñez Lepe (Ciudad Guzmán, 1985) estudió en el Bachillerato Tecnológico Agropecuario 19 en Tamazula, Jalisco. Antes de migrar al norte del país, trabajó en un café Internet. Se cree que actualmente trabaja en el área de bibliotecas de un plantel del Colegio de Bachilleres en Mexicali, Baja California.

07

Balam Bartolomé (Ocosingo, 1975) estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, de la UNAM. Ha expuesto en espacios no lucrativos, galerías y museos en países como Alemania, Argentina, Brasil, Canadá, Colombia, España, Estonia, EU, Francia, Holanda, Inglaterra, Japón, México, Noruega, Paraguay, Portugal, República Checa y Uruguay.

Fue becario del programa Jóvenes Creadores durante el ciclo 2003-2004. En 2007 realizó una residencia dentro del marco del Encuentro Regional de Arte ERA2007: Región Fricciones y Ficciones; Arte en Tránsito, Diálogo con la Historia en Montevideo, Uruguay. En 2009 realizó una residencia dentro del International Studio & Curatorial Program (iscp) en la ciudad de Nueva York, patrocinado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de México. En 2011 realizó una residencia en el Nordic Artists’ Centre Dalsåsen en Dale, Noruega. En 2012 fue invitado como artista y curador a la 1a Bienal de Bristol, en el Reino Unido. En Otoño de 2014 realizó una residencia en el Bemis Center for Contemporary Arts, en Nebraska, EU.

06

El desplazamiento pone sobre la mesa una serie de preguntas sobre el desierto y la ruina. El aparente mutismo de estas vastas extensiones de terreno presumiblemente inhabitado, sirve de materia prima y taller para Miguel Fernández, quien indaga en él a través de caminatas y del archivo por igual. La ruina como construcción fallida y como fósil. El desierto es una historia muda y una incógnita; es acontecimiento.

El desierto de Sonora es –además– uno de los puntos de trasiego de droga más activos del norte del país. Una zona de tránsito relativamente pacífica que como tal hace eco de la huella de vacío, de aquello que fue.

Miguel Fernández de Castro (Hermosillo, 1986), estudió Artes Plásticas y Filosofía (2006-2012). Ha expuesto en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México (mam), Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (marco), Museum of Latin American Art en California (molaa) y en el Museo de Arte de Sonora (musas).

Fue becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes (fecas) en 2009. Ganador de la Tierney Fellowship 2010, en Nueva York, y seleccionado en Descubrimientos-Photoespaña 2011, en Madrid. Obtuvo el premio de adquisición de la X Bienal FEMSA 2012 y fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca) en 2012. Actualmente es residente en Home Workspace Program de Ashkal Alwan en Beirut, Líbano.

05

throwtolion es un sitio web administrado por el fotógrafo Jaime Martínez en la plataforma de microblogging Tumblr. En él publica imágenes que le gustan, como hacen usuarios de los más de 188 millones de blogs existentes en la plataforma. En Thank You Internet hay muchos ecos del imaginario digital contemporáneo; imágenes que hemos visto varias veces al desplazarnos por Internet en múltiples contextos. El ejercicio de Martínez permea esa violencia vedada en mucho del imaginario de la red, ironiza sobre el sexo y la cultura de consumo norteamericano con encanto ingenuo.

Jaime Martínez (Monterrey, 1978) utiliza la fotografía y el video. Ha colaborado como fotógrafo para marcas y medios como Versus Versace, Dazed Digital, Vice, la cantante M.I.A. y varios festivales de música en México. Desde 2008 hace fotografías animadas en formato .gif.

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La repercusión de la línea en el espacio cuenta con una introducción de Wassily Kandinsky: Punto y línea sobre el plano editado a placer por Rasgado con un marcador indeleble negro sirve de preámbulo y contrapunto para llevar a cabo un ejercicio poético que toma como punto de quiebre la observación de la bóveda celeste.

Pablo Rasgado (Zapopan, 1984) ha tenido exposiciones individuales en Steve Turner Contemporary (2011, 2012 y 2013); Arratia Beer, Berlín (2012); y el Museo Experimental El Eco, Ciudad de México (comisariada por Tobias Ostrander, 2011).

El trabajo de Rasgado también ha sido presentado en exposiciones colectivas como Other People’s Problems: Conflicts and Paradoxes, Herzliya Museum of Contemporary Art, Tel Aviv (2013); Noise, Ex Magazzini di San Cassian, Venecia (2013); When Attitudes Became Form Becomes Attitudes, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco; Los Irrespetuosos, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (curada por Carlos Palacios, 2012); y Lost Line: Contemporary Art from the Collection, Los Angeles County Museum of Art (2012).

03

Entrábamos por la segunda entrada: la primera tenía un altar de una virgen, la segunda estaba enfrente del panteón. Panteón, carretera, pueblo.

Comenzamos a subir por una pendiente empedrada, había un abarrotes, una prepa y un sanatorio. Más adelante doblamos a la izquierda, al fondo una escalera, arriba la plaza, abajo el internet, a un lado la iglesia. La plaza era amarilla, tenía árboles, un kiosko, la Presidencia y un portal. Había sombra, también comida, nieves, una casa grande y blanca, barbacoa.

Mientras más subías, era más empinada la pendiente y más bonito el pueblo. Las casas de arriba eran de un piso, de vez en cuando te encontrabas una casa californiana. Antes de llegar a la montaña estaba la capilla: blanca y con papelitos de iglesia. Después montaña, hasta arriba cruz blanca.”

Testimonios de la búsqueda de rastros de José Guadalupe Carrillo García recabados por Paula I. Espinoza, Luisa Fernanda Gutiérrez, N. Samara Guzmán, Ángel García, Cynthia Anabel Herrera y Alejandra Jaimes Portugal.

02

Originalmente, "El gallo de oro" es un cuento escrito por Aleksandr Pushkin en 1834, e ilustrado magníficamente por el gran escenógrafo ruso Iván Bilibin en 1906. Posteriormente, Nicolai Rimsky-Korsakov lo convierte en ópera en 1907 (cuyos decorados para el estreno en Moscú en 1909 fueron diseñados por el propio Bilibin).

Fernando Palomar decide preparar una pieza que parte de "El gallo de oro" y deriva en ópera-rock. El procedimiento general que se propone seguir es el de la libre asociación de ideas y la confusión voluntaria e indiscriminada de sujetos, que busca resultar en una actualizada y azarosa versión de una “obra de arte total” (como se le suele decir a la ópera) del repertorio tradicional del siglo XX.

Este libro es una especie de cuaderno preparatorio para el proyecto. Reúne información de modo más o menos pertinente, desordenado y aleatorio que trata de definir su naturaleza a partir de una colección de ideas, músicas, textos e imágenes, que será al mismo tiempo la fuente y la materia prima de ese trabajo.

Fernando Palomar (Guadalajara, 1967), artista autodidacta y arquitecto por el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente. Co-fundador y director de OPA, Oficina para Proyectos de Arte, en Guadalajara.

Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Carrillo Gil de la ciudad de México, el Piano Nobile Espace d’art Contemporain en Ginebra, Suiza, y en el Museo de las Artes de Guadalajara. Ha participado en las exposiciones colectivas en sitios como La Casa de América de Madrid; la Americas Society de Nueva York; Apeejay Media Gallery en Nueva Delhi; el Museum of installation de Londres; el Instituto de México en París, Francia; el Museo de Arte de Puerto Rico; el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México, y la Jack Tilton Gallery en Nueva York. Vive y trabaja entre Guadalajara y Madrid.

01

Verónica Flores lleva varios años coleccionando hojas caídas de árboles que encuentra a su paso. Este libro es una muestra gestual de algunas de las piezas de esta colección, las cuales lleva al papel mediante el frottage, una técnica que ha utilizado anteriormente para convertir en representaciones bidimensionales, diversos objetos de su vida cotidiana: herramientas de carpintería, teléfonos celulares y otros objetos comunes y corrientes que devienen dibujos, más que calcas y en dónde Verónica plasma estados de ánimo particulares.

Verónica Flores (Guadalajara, 1974), cursó la carrera de Arquitectura en Guadalajara, una maestría en Sociología y Desarrollo en la Universidad de Surrey Roehampton en Inglaterra, además de estudios en fotografía. Hacia 1997 comenzó a practicar la carpintería.

Desde 2005 se ha enfocado en escultura, dibujo e intervención de libros. Fue becaria de la residencia en Braziers International Artists’ Workshop, Oxfordshire, UK. Hasta el momento ha participado en las exhibiciones colectivas Film Platform, Copenhagen, Dinamarca; Mujeres en la vida de mi padre, Museo Raúl Anguiano, Guadalajara, México; Borderline, Proyecto Departamental, Guadalajara, México; y Firulais, Museo de la Ciudad, Guadalajara, México, todas en el 2008. En 2009 presentó Pareidolia en Curro y Poncho, Guadalajara, México. Actualmente vive en Nueva York.

00

Caja registradora es producto del registro furtivo, catalogación y reconfiguración de 23 teclados de cajas registradoras encontradas durante el día a día. Las teclas, dada la reconfiguración caprichosa, devienen en inútiles controles de dispositivos de función confusa en escala 1:1 que invitan infructuosamente a manipularlos. La función práctica y casi imperceptible de las anotaciones en cada una de ellas, consiguen —dada la cercanía— una atención vedada anteriormente, que sugiere el origen de los componentes táctiles del libro.

N. Samara Guzmán (Ciudad de México, 1988), estudió Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara. Es miembro de la Asociación Estudiantil Independiente para la Observación Usufructuosa (AEIOU) En 2010 presentó Correo gratis un día en La Galería de Comercio en la ciudad de México y Regrese mañana dentro del proyecto Estudio Abierto del Museo de Arte de Zapopan en 2013.

Entre sus exposiciones colectivas se encuentran Casa de Cultura, en la Casa de Cultura de Guadalajara; José Guadalupe, en la Sala Juárez del Laboratorio de Arte Variedades (LARVA) en Guadalajara; Permanencia voluntaria en el CUAAD, Guadalajara; Empresas fútiles en la Escuela Popular de Bellas Artes de Morelia; It’s Ok to Cry en HUMO Live art en Guadalajara.